예술기업가정신으로 새롭게 접근하다 | 나라경제

연중기획

예술기업가정신으로 새롭게 접근하다

박신의 경희대 경영대학원 문화예술경영학과 교수 2019년 02월호

연중기획-박신의.pdf

우리에게 문화예술산업은 아직 익숙한 용어는 아닌 것 같다. 손쉽게 뮤지컬산업이나 음반산업 등을 떠올릴 수는 있겠으나, 그 자체로는 별반 새로울 것이 없다. 정책적 차원에서 보면, ‘예술의 산업화’라는 명제 속에서 지난 정부 시절 쟁점으로 도출된 바 있지만 여전히 논란 속에 있다. 그럼에도 문화예술산업의 면모가 미래적 전망을 분명히 갖는다는 점에서 개념과 영역, 그리고 가능성에 대해 이야기를 풀어보도록 하겠다.

예술가들, 창작방식의 확장이나 기술과의 결합 통해 산업을 주도
무엇보다도 문화예술산업을 어떻게 규정할 것인가에 대한 개념 정의가 필요할 것 같다. 어쩌면 개념 정의는 두 개의 다른 맥락으로 접근할 수 있는데, 기본적으로는 예술가의 활동을 산업구조로 바라보는 관점이다. 즉 예술창작물이라는 서비스 혹은 제품의 제작 및 생산에서 그것이 소비되고 유통되는 과정을 본다면 예술은 산업구조를 갖는 것이다. 쉽게 말해 공연예술시장이나 미술시장 등의 시장구조를 두고 볼 때의 경우다.
하지만 예술가 혹은 예술노동자들의 수익구조는 시장구조와 별개의 논리로 제공되는 딜레마에 처해 있다. 공연예술의 제작비가 실질적인 티켓 수입을 따라잡기 어려운 구조적인 비용질병 문제와 미술시장에서 가격 산정 기준이나 표준이 없이 적용되는 현실이 그것이다. 또한 한국사회에서 관객층이 안정적으로 형성돼 있지 않은 현실도 이러한 어려움을 가중시키는 요인이다. 그럼에도 전통적인 산업구조로 가늠되는 차원에서 예술시장은 여전히 존재하는 것이고, 이 구조를 개선하고 향상시키기 위한 노력은 지속적으로 해나가야 할 것이다.

두 번째로는 변화하는 환경에 대한 대응과 변화를 토대로 접근하는 예술기업가정신(arts entrepreneurship)에 따른 산업구조 형성을 볼 수 있다. 예술기업가정신은 기본적으로 예술활동과 결과물을 ‘자원’으로 간주하고, 이에 대한 ‘혁신(innovation)’을 주도하기 위한 일종의 개념적 제안과 태도 혹은 의식, 마인드와 같은 형태로 제기됐던 것이다. 그리고 현실적 수준에서는 ‘기업가정신’을 예술 분야에 적용하는 것으로서 궁극적으로는 예술창작의 프로세스, 즉 창작, 제작, 배급과 향유, 그리고 다시 재투자로 이어지는 선순환적 개념을 이해하는 일이고, 그 결과로서 전혀 새롭고도 창의적인 비즈니스 모델의 개발 혹은 예술벤처 창업의 시도, 인큐베이팅, 프로모션 등의 활동을 총칭하는 것이라 할 수 있다.
이에 따라 예술가들이 자신의 창작방식을 새로운 차원으로 확장하거나 기술과 결합하는 방식을 통해 산업을 주도하는 일은 좋은 사례라 하겠다. 블록을 활용한 ‘조립아트’를 내세워 다양한 공간에 작품을 설치하거나(김계현 케플아트블록 대표), 레고 창작 활동을 통해 대형 모형제작 산업을 주도하는 경우(김성완 하비앤토이 대표)가 있다. 미디어아티스트들은 프로그램 개발을 통해 창작과 콘텐츠산업과의 연계를 시도하면서 비즈니스 모델을 개발할 수도 있다. 또한 기업과의 콜라보레이션을 통해 자신의 작품을 제품에 한정판으로 사용하거나 다양한 방식으로 결합하는 등 예술가 스스로 예술기업가정신을 구현하면서 새로운 예술가상을 만드는 경우를 들 수 있다.
다른 한편 예술 활동을 통해 사회적 가치를 구현함으로써 사회적기업의 형태를 만들어가는 경우도 있다. 시각장애인을 대상으로 한 예술교육과 이를 통한 다양한 프로젝트 개발로 기업의 참여를 이끌어내면서 교육서비스와 전시 등의 활동을 하는 경우(엄정순 우리들의 눈 대표), 도시 재생을 목표로 재개발 지역을 문화적 접근으로 살려내는 작업을 시도하는 경우(유다희 공공미술프리즘 대표, 이한호 쥬스컴퍼니 대표, 김영현 유알아트 대표), 공공디자인의 새로운 영역을 만들어가는 경우(조주연 문화유통협동조합 티팟 대표), 사회 갈등 현장에서 문화예술교육을 통해 문제를 풀어가는 경우(사회적 협동조합 ‘자바르떼’) 등 다양한 사례가 있다. 이들은 이미 10~20년의 역사를 가지고 활동하고 있다는 점에서 예술사회적기업의 모델이 되고 있다.

어떤 방식으로 연계 혹은 네트워킹해 규모를 만드느냐가 관건
이러한 모델들은 사회적경제나 공유경제 개념에 준하는 구조로서 다양한 시도를 통해 구현되는 가운데 문화스타트업이라는 차원으로도 말할 수 있겠다. 특히 주목할 만한 사례는 문화예술을 공유하는 국내 플랫폼 사례로서, 예술작가들과의 다양한 협업을 통해 상생 구조를 만들고 전시 기회도 갖는 비즈니스 플랫폼 ‘아트쉐어’를 비롯해 온라인에서 작가들이 무료로 포트폴리오 공간을 만들어 전 세계 예술계와 네트워킹 할 수 있도록 돕는 서비스를 진행하는 플랫폼 ‘사트(SAART)’, 공연 레슨이나 축가, 행사 등 다양한 분야의 예술가를 직거래로 연결해주는 중개서비스를 전개하는 ‘세이호’ 등이다.
기본적으로 예술기업가정신은 1인 기업이나 프리랜서 형태를 포함하지만, 궁극적으로 그 사업의 형태는 횡단적이고 협업적이며 플랫폼 기능의 활용 속에서 어떤 규모의 기업과도 연계할 수 있어 규모의 문제가 아니라 어떤 방식으로 연계 혹은 네트워킹해 규모를 만드느냐에 있다. 예를 들어 병원과 결합한 예술치유산업이라든가 다양한 예술 콘텐츠를 활용한 이야기산업, 문화유산을 데이터로 접근함으로써 무한 확장의 콘텐츠산업으로 적용하는 경우가 모두 해당한다. 그런 점에서 문화예술산업의 미래는 예술기업가정신이 갖는 유연함과 창발적 관계맺기(리좀적 사유방식), 그리고 예술 자체에 내재하는 인간 중심적 사고와 가치가 얼마나 다양한 규모의 비즈니스와 연계되는지에 있음을 강조하고자 한다.

목록보기